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Hamlet
"Keenlyside's portrayal is riveting; he squeezes every bit of meaning out of each phrase, and demands attention whenever he is on stage" The Guardian
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Composer |
Ambroise Thomas |
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Libretto |
Carré and Barbier after a French version of Shakespeare’s tragedy by Dumas père and Paul Maurice |
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Venue and Dates |
Royal Opera House, Covent Garden, London. 12, 15, 20, 23, 28, 30 May 2003 (revival of the 1996 Geneva production) |
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Conductor |
Louis Langrée |
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Directors |
Patrice Caurier and Moshe Leiser |
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Performers |
Hamlet : Simon Keenlyside Ophélie : Natalie Dessay Gertrude : Yvonne Naef Claudius : Robert Lloyd Laërte : Yann Beuron Ghost of Hamlet’s father : Markus Hollop Chorus and Orchestra of the Royal Opera House |
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Production |
Sets : Christian Fenouillat Costumes : Agostino Cavalca Lighting : Christopher Forey |
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What the critics say
Click below to read an article from The Times: The Hamlet with a happy ending. In the opera version of Hamlet the hero lives to fight another day. Robert Thickness sees Simon Keenlyside get some coaching from the actor, Simon Russell Beale.
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Gertrude gets to a nunnery and Hamlet is crowned king.
Tim Ashley for the Guardian on a remarkable reworking of Shakespeare. Friday May 2, 2003.
http://www.guardian.co.uk/arts/critic/review/0,,947635,00.html
“Divorcing the opera from the play and letting it stand by itself is one way to approach it, a view shared in part by British baritone Simon Keenlyside, who plays Hamlet in the Royal Opera's new production. "It's not Hamlet as such," he says. "The play is a worry, because I want to forget Hamlet and do it as it is, as a high Victorian melodrama, with as much honesty as possible."
"One thing that strikes me as difficult," Keenlyside says, "is that it occupies so much of the emotional middle ground. A lot of the eddies in the play are taken out, like Polonius's death." In recent years, conductors have come up with their own endings in an attempt to follow the text more closely. This time round at Covent Garden, however, the original version is being used, though Keenlyside has suggested to his directors that he should be wounded in the final scene, "so we have an idea he's not going to make it for very long".
All this, as Keenlyside says, "ain't Hamlet"
Trouble at the top. Natalie Dessay talks to Rupert Christiansen, 6 May 2003
http://www.telegraph.co.uk/arts/main.jhtml?xml=/arts/2003/05/05/bmrc05.xml
“… she is full of admiration for Keenlyside - "he does not act Hamlet, he is Hamlet"
Jane Morley for musicomh.com
http://www.musicomh.com/opera/hamlet.htm
“Of course, it helps that Simon Keenlyside's Hamlet is a character one can be passionate about. This most intelligent of singers is an ideal Hamlet - both boyish and tormented, he is completely believable, to the extent that it would be interesting to see him act a "straight" Hamlet, just as Willard W White played a non-singing Othello during the 1990s. (This assumes, of course, that Mr Keenlyside survives long enough to do so - displaying his habitual disregard for life and limb, there are moments when he practically runs through the scenery.)”
Sweet prince of song.
Michael White meets the perfect operatic Hamlet.
The Guardian 14 May 2003
http://www.telegraph.co.uk/arts/main.jhtml?xml=/arts/2003/05/14/btkeen14.xml
Simon Keenlyside is not just Britain's finest baritone. He's atheletic, handsome and troubled: a noble soul who worries about seeming a fraud. Michael White meets the perfect operatic Hamlet.
"And OK," says Keenlyside when we meet in between rehearsals, "it's a gift for English audiences to laugh at. If you want, you'll chuckle through Etre ou ne pas etrê; make a lot of the fact that Thomas goes for romance rather than psychology, and gives almost everyone a drinking song; and you'll fret about the ending, as people did when it was written. But that's the piece. It's not my job to rewrite it.”
"You just have to accept Thomas as a product of his time and enjoy what he gives you as a vehicle for singing. It's a great sing. And personally I think it still allows Hamlet to be a substantial character - although I'm never easy about talking up something before we've done it, because if it turns out no good I feel a fraud and a fool."
Something misbegotten in this state of Denmark.
Rupert Christiansen for the Telegraph 14 May 2003
“Keenlyside made a very modern Hamlet, full of boyish tantrums and vulnerability. He enunciates French with the utmost clarity and sings the more introspective passages with exquisite sensitivity. I worry only when he turns macho and starts pushing the voice above mezzo-forte - the "Drinking Song", for instance, was almost shouted. Perhaps he felt that everyone in the audience was half asleep, which by that point they probably were.”
Andrew Clements for the Guardian, Wednesday May 14, 2003
http://www.guardian.co.uk/arts/critic/review/0,,955518,00.html
Three stars
Keenlyside's portrayal is riveting; he squeezes every bit of meaning out of each phrase, and demands attention whenever he is on stage. In his depiction of Hamlet's madness he does everything but chew the scenery, though he does run headlong into it at one point and drenches himself from head to foot in red wine at another.
Review for Opera News by George Hall, August 2003
http://www.metoperafamily.org/operanews/_archive/803/InReview.803.html
Codirectors Caurier and Leiser are a highly gifted duo whose work regularly searches out the tensions implicit in a piece and presents them clearly and emphatically, with a refreshing avoidance of irrelevant additions. This was a gripping evening, partly due to the concentrated interaction of the principals and a vivid use of the chorus, but also on account of some exceptional singing, especially in the two leading roles. Keenlyside's versatile baritone achieved every requirement of the score. He was bold, persuasive, vehement and uncertain by turns, finding in Thomas's notes many nuances of meaning. A remarkable actor, lithe and purposeful in his every movement, he articulated the text with detailed engagement and proved in every sense a Hamlet worthy of the British stage.
As Ophélie, Dessay reaffirmed her credentials as one of the leading coloratura exponents of the day. Not only was she faultless in her execution, but she sang every last filigree phrase with musical and dramatic conviction. She created a heartrendingly vulnerable figure, whose descent into an interior fantasy world was terrible to behold. Her mad scene offered profound pathos and a genuine sense of terror, and she quite rightly received an ovation.
This top-quality central pairing was well supported by Yvonne Naef, a grandly pungent Gertrude, riddled with guilt, and by Robert Lloyd's enclosed, uneasy Claudius. Yann Beuron, though ill at this performance, managed to get through the role of Laërte. Louis Langrée conducted with a highly developed sense of style, giving full value to the grand-opera panoply of the public scenes and drawing out the darkness of much of the rest. Though many turned out expecting to laugh at Thomas and his presumption, they stayed to cheer the work's surprising vitality and validity.
The happy Hamlet
Reviewed by Fiona Maddocks, Evening Standard (13 May 2003)
Given the hallowed status of Hamlet, a French operatic version pandering to Parisian bourgeois taste and robbed of its tragic ending always sounded a duff prospect. And it is true that Ambroise Thomas's 1868 opera is rich in tosh but principally of a musical variety. For most of us, the Royal Opera's new production by Patrice Caurier and Moshe Leiser was the first chance to encounter this rarity, a hit in its day but now scarcely performed on the British stage.
Once you get used to the bathos of hearing lines such as "Être ou ne pas être", followed by a rudely severed soliloquy, the drama rattles along briskly and is arguably more faithful to the original than, say, Verdi's Otello.
The orchestration, playing every atmospheric card in the book - celestial harps, humming choir, offstage brass and even a solo saxophone - offers clotted-cream textures and melodies as glamorous and empty as spun sugar. It is all huge fun, if Hamlet can ever properly deserve that word.
The title role is a baritone's gift and we were lucky to have, in Simon Keenlyside, a stunning exponent. His performances always have high physicality - he hurls himself around until you fear for his survival. To this he added a brooding, irresistible vulnerability. The work's other great boast is a prolonged (very) mad scene for which Natalie Dessay, a purevoiced, seraphic Ophelia, deserved her rapturous applause.
The pace slows in the gravediggers scene. They spent a good deal of time apparently smashing up Christian Fenouillat's set, with which one rather sympathised: this unwieldy, noisily revolving, nonsensically mobile depiction of Elsinore resembled nothing as much as matching chunks of hollowed-out marrow.
But the intensity of the acting and first-class singing carried the evening. Yvonne Naef 's mightyvoiced Gertrude, grotesque in a lampshade of a gown which seemed to swing all the more with each lie she uttered, was compulsively chilling. Bass Robert Lloyd made weak-willed Claudius thin enough to see through.
In the outstanding French conductor Louis Langrée, and the ROH orchestra and chorus, the work had its best possible advocates. We were just about, gratefully, to say "Goodnight sweet prince" when he suddenly became king. That's French opera for you.
Rodney Milnes, Opera July 2003 (extracts)
A Necessary Exhumation
“… in our day alone, baritones of the stature of Sherrill Milnes, Thomas Allen, Thomas Hampson, Bo Skovhus, Anthony Michaels-Moore and now Simon Keenlyside have been eager to sing the title role (and been richly rewarded by it) and I rest my case. The exhumation was definitely necessary…”
“This was the best production of Hamlet I have seen. The cuts were mostly supportable, save for that of the whole Fete du Printemps: Ophelie's Mad Scene should be a public act, like Lucia's, and works even more powerfully as such. In the pit, the excellent Louis Langree lavished so much care and attention on every bar that someone was heard to remark (can it have been me?) that he made the music sound better than it is. Well, he certainly did with the 'convenient' bits, and the ROH Orchestra played beautifully for him.”
“The cast was superb. To those accustomed to hearing him in Mozart or in Lieder, the sheer volume and breadth of sound that Keenlyside fielded will have come as a surprise. One almost heard Iago round the corner (a corner many, many miles ahead, please, and then only in someone's drawing room, or maybe Glyndebourne). The Drinking Song was big, rollicking stuff and maybe he gave 'Doute de la lumiere' more welly that it needs-it's an intimate, private little duet. More predictably, he sang 'Etre, ou ne pas etre' and the lovely 'Com me une pale fleur' exquisitely, and his hushed 'Mon pere! Patience!' at the end of the trio with Gertrude and Claudius to a reminiscence of the big tune from the battlements wrung every known wither. Dramatically he was stunning, in the full brooding, smouldering mode that he commands so well, and his performance was so full of detail that you could imagine him crossing the river to the NT and managing just as well without the music. His face at the 'happy end' was as shattering as Thomas Allen's at Buxton all those years ago. Survival, as Verdi knew when he revised Forza, can be a fate worse than death.”
Eduardo Benarroch, 12 May 2003 http://www.operayre.com.ar/
Lo peor de lo peor…
La obra de Shakespeare tuvo incalculable influencia en las artes francesas del siglo 19, tanto en la música de Berlioz como en las pinturas de Delacroix y también en la poesia de Gautier y Musset y también en novelas como Indiana de George Sand.
Pero la traducción francesa que se usó hasta 1851 contenía muchas omisiones, como la escena de la locura de Ofelia, y también errores.
Y fué Alexandre Dumas quien junto a Paul Meurice produjo una traducción más acertada y fiel al original shakesperiano.
Doy las gracias al Profesor Nicholas Cronk de la Universidad de Oxford por haberme provisto de esta invaluable información, asi como también la confirmación de que hubo una parodia escrita en francés y cuya premiere tuvo lugar en el Théatre des Funabules que se titulaba Omelette, prince de Montmartre!
En Inglaterra la obra teatral es conocida cariñosamente como Omelette.
Pues bien, partiendo de esa base culinaria a la ópera de Ambroise Thomas le faltan huevos, la mezcla es muy débil y aguada, los condimentos escasean y el omelette está tan cocido que termina quemado.
Explico.
Los caracteres están muy mal caracterizados, incluso los principales. Hamlet es llevado de un lado a otro con entradas y salidas forzadas (también es culpa de la producción pero con la acción propuesta por el miserable libreto de Michél Carré y Juiles Barbier no se puede hacer mucho tampoco) y los caracteres secundarios son reducidos al nivel de pantomima de escuela primaria.
Es que alguien se quejó por las carcajadas suscitadas en el sorprendido público inglés en la primera noche por la súbita aparición de Claudius y sus arranques de carácter de pantomima? y lo mismo sucede con Gertrude, quizás un poco menos pero incluso en su gran escena (gran?larga sería mejor descripción) con Hamlet Pardonne, helás! ta voix m’accable! no llega a convencer.
Y ni hablar de los roles menores como Polonius, que simplemente está de más al igual que Horatio y Marcellus. y si Thomas quizo hacer de Laërte algo útil fracasó.
Es que no hay inspiración melódica, hay mucho método y poco drama, la brillante orquestación no llega a nada, de vez en cuando hay algún motivito que podria ser desarrollado pero nunca lo es. Hay mucho relleno, demasiado y el coro,... pobres....
Esto es el resultado de años de tratar de satisfacer al público francés del segundo imperio, algo que Wagner odiaba tanto. Y Hamlet no fué compuesta en un período oscuro en el cual las corrientes musicales que formarían el destino de Debussy y Ravel no se esbozaban. Al contrario, Thomas compuso esta obra en 1868! POR FAVOR! en el medio de la revolución cromática, cuando habían grandes óperas, incluso en francés compuestas poara ese mismo público que demandaba ballet y luces encendidas durante el espectáculo, Mi primer testigo es Verdi, y n creo necesitar más.
Habiendo sentado las bases para mi queja contra esta ópera, paso a criticar sus números individuales. Hay una interesante escena para Hamlet J’ai pu frapper le misérable y si hubieran menos convenciones la escena que le sigue con Claudius Je t’implore mon frére podría ser efectiva. Pero todo se queda a medio camino, falta genio y abunda el relleno. Y llego a la escena de la locura, que fuese tan solicitada por el público durante la época victoriana.
Es cierto que en cualquier libro de Thomas se puede leer que este compositor trató de emular la época del belcanto, nada malo en eso, pero tratar y conseguir es algo muy diferente.
La escenita de la locura es larga, pero contiene muy poco de valor, hay algun que otro alarde pero son escasos y pobres y peor aún no son difíciles para cualquier soprano de coloratura. Y si se consiera que en esta producción (es una no producción en realidad) se la viste en forma totalmente ridícula, rodeada de floreros en un escenario casi vacíos y con un adefesio prendido al estómago como si estuviera embarazada por afuera!! por favor....., el público londinense no lo podia creer....esta ya abía caido muy por debajo de lo tolerable y recurrió a reirse como si fuese una pantomima.
Claro que vinieron los consabidos fans de siempre, que siguen a cantantes canten como cantes y a quienes n les preocupa la actuación sino ver a sus ídolos en escena. Pues bien, ellos fueron los únicos que aplaudieron mucho, el resto del teatro, semi vacio (se olfateaban algo?) aplaudió en forma cortés y muchos se fueron corriendo en cuanto se bajó el telón.
Nada de eso es culpa del elenco, o al menos de la mayoria del elenco encabezado por el mejor baritono mozartiano del momento: Simon Keenlyside.
Keenlyside es una buen artista, se rompe todo por hacer algo diferente, es un artista tremendamente fisico, muy atlético, buen mozo, pero solitario. Podría pensarse que su Hamlet sería extraordinario dadas las características intrínsecas de su carácter pero no..la producción es tan escasa de ideas y la música es tan pobre en cuanto a drama que Keenlyside pareció un sonámbulo caminando de aquí a alla! aunque cantó lo poco bueno que tiene (y lo otro) con su acostumbrada maestría.
La otra buena y aceptable fugura de la noche fué la mezzo suiza Yvonne Naëf. Es cierto que se la pasó forzando el volumen pensando qe su voz no se escucharía frente a la opulenta pero vacía orquestación de Thomas, pero se escuchaba y bastante bien, quizás para más adelante logre un mejor equilibrio. Otra queja: nadie le aconsejó? es que no hay un director y un asistente durante los ensayos?
A pesar de esto, la Naëf es una artista inteligente, su Venus en Hamburgo hace unos tres años fué excelente y también me gustó su Azucena aquí mismo en Londres. Su escena con Hamlet del tercer acto fué muy conmovedora de su parte.
Robert Lloyd, según no sinforma el programa, cumple su 30 aniversario como artista de La Ópera Real. Pues que mal hemonaje se le hace dándole este rol miserable. Además su estilo de producir la voz, con la lengua para arriba y hacia atrás al estilo ruso, le hace engolar el sonido y si se agrega un rol caricaturesco y ridículo...pues fué para reirse a carcajadas, que fué loq ue hizo el público acostumbrado a pantomimas de Navidad.
Y por último queda el debut de Natalie Dessay....que se puede decir? al menos para Londres en 2003 eligió el rol equivocado. Quizás en 1982 hubiera pasado raspando pero no ahora que el Covetn garden esta despertándose a las corrientes más interesantes de regie y actuación escénica (no siempre y no en forma consistente como esta producción lo demuestra) aún cuando hay mucho trecho por recorrer.
El tardío debut de la Dessay nos hace preguntarnos si hubo alguien que pensó en forma no como que es lo que desea cantar la diva francesa sino qué es lo que nosotros consideramos que es lo mejor para que haga su debut en esta casa! que es algo muy muy diferente.
Ofelia es un rol breve, muy breve, brevísimo, y totalmente prescindible en este contexto que debería haber sido tirado a la basura.
El rol está mal dramatizado, será bueno de acuerdo a la época en que fué escrito y para quienes lo fué en ese momento, pero debo correr un riesgo al afirmar que lo mejor que hizo Ambroise Thomas y su más grande éxito se debió a la promoción de Jules Massenet. Thomas es un compositor de segunda división y punto. Siue convenciones pero nunca logra un gol, se la pasa gambeteando al divino botón.
La escena tan famosa de la locura de Ofelia es de no creer por su artificialidad y la voz de Natalie Dessay no está en su mejor momento ni tampoco pareció totalmente entregada al rol, o al menos es posible que siempre lo haga así...quién sabe, y a quién diablos le importa?
Un debut dudoso en un rol miserable y sobreestimado frente a un publico escéptico y frío resultaron en una velada horrorosa de anti ópera.
Y hay algo peor. Por tercera vez en esta temporada se “confió” la regie de una ópera al dúo Moshe Leiser y Patrice Caurier. Dos veces salieron bastante bien, pero la tercera acusó fatiga intelectual, haraganería y total falta de idoneidad profesional.
No producción sería mejor decir. Y los decorados espantosos y ruidosos, y aparatosos y totalmente fuera de contexto de Christian Fenouillat deberían ser incinerados ipso facto.
Que queda? muy poco y termino enseguida queridos lectores.
La música......música? es obvio que Thomas es mucho mejor compositor que digamos Giordano, pero ambos deberían haber desistido de sus esfuerzos y haber regresado al conservatorio a estudiar como se orquesta para hacer ópera de verdad. Thomas debería estar en el 2o año y Giordano todavía no debería ser admitido.....pero ninguno de los dos es digno de ser presentado en teatros de primera categoría.
Con tales falencias dramáticas que puede hacer un director? no aceptar el contrato para empezar, pero una vez hecho (hay que comer se supone....) Luois Langrée marcó tiempo y trató de hacer relucir un metal impuro sin haber nada detrás.
Fué una de esas noches cuando uno debería haberse levantado del asiento gritando que eso no puede ser, que estamos en el siglo 21 y que porquerías como ésta deben ser destinadas al olvido absoluto y perenne. No por nada no se presentaba en Londres desde 1910.....y jamás debería ser presentada al público de nuevo. Es un insulto.
